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    Tuesday, December 17, 2013

    Brian Eno en Madrid: 77 millones de experimentos audiovisuales

    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree
    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree


    “77 Million Painting” es la instalación audiovisual de Brian Eno que desde mañana y hasta el 30 de Marzo de 2014 podrá verse en la sala de exposiciones Alcalá 31 dentro del marco de la 5ª edición del festival de arte digital y tecnologías avanzadas Madatac. Productor, fundador de Roxy Music y artífice reconocido del  “ambient”, Brian Eno nos sumerge con esta obra en el ilimitado espacio del arte generativo,  si bien, tampoco es una faceta desvinculada de sus anteriores incursiones, ya que en este proyecto artístico, la música junto con un total de 300 imágenes proyectadas, son las protagonistas de recrear atmósferas envolventes y  nocturnas que siempre son distintas pero partiendo del mismo esquema abstracto  y digital que cambia constantemente.Efectivamente son 77 millones de pinturas abstractas. Así lo explicó el  artista, que esta mañana, acompañado por el presidente de la comunidad Ignacio González presentó la muestra.  "La obra tiene la capacidad de proyectar 77 millones de combinaciones, lo que la convertiría en la muestra plástica más extensa de la Historia".

    Elementos visuales aleatorios que evocan realidades abstractas que tienen que ver con la idea del azar aunque cada uno es posible que vea algo distinto o que se fije en un punto concreto, como la imagen geométrica central que constantemente va cambiando gradualmente de color y que podría recordarnos a una esvástica hindú como símbolo de buena suerte... Sólo es cuestión de relajarse, escuchar, ver y dejarse llevar. 

    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree
    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree
    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree
    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree
    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree
    "77 Million Painting" © Brian Eno. Foto: © Roux Feelfree para stylefeelfree

    Wednesday, November 27, 2013

    Retrospectiva Nicolás Muller: miradas en blanco y negro

    "Fiesta de Mulud II". Tánger, Marruecos 1942 / Foto: © Nicolás Muller Cortesía de Consejería de Empleo, Turismo y Cultura. 

    En conmemoración del centenario del nacimiento del fotógrafo Nicolás Muller (Hungría, 1913 – Asturias, 2000) la comunidad de Madrid organiza en colaboración con la Fábrica una gran retrospectiva en la sala Canal de Isabel II comisariada por el también fotógrafo Chema Conesa, premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la categoría de fotografía en el año 2011. Bajo el título “Nicolás Muller. Obras Maestras”, se muestran un total de 125 imágenes tomadas en Hungría, Francia, Marruecos y España. Algunas de las cuales son inéditas y representan en su conjunto un legado importantísimo a la historia de Europa así como a la historia popular española. Además de ser un significativo iniciador en la fotografía documental moderna junto a sus coetáneos Brassaï, Capa o Cartier-Bresson. Un recorrido esencial que transmite las claves de un género que está más vivo que nunca con el auge del fotoperiodismo desde mediados del siglo XX. Autenticidad, fugacidad, realismo y humanidad se dan la mano para construir un discurso que forma parte de la tradición colectiva.

    La exposición presentada hoy a los medios por Chema Conesa, Ana Muller _hija del artista_ y la viceconsejera de Turismo y Cultura Carmen González, es una muestra extraordinaria del amplio trabajo del artista. Un testimonio de una época marcada por el nazismo que azotó Europa. Hecho que obligó al artista a  huir de su Hungría natal tras algunos problemas con la justicia  y que representó una experiencia personal que le llevó a viajar por Francia, Portugal y Marruecos hasta recaer en España donde establecería definitivamente su hogar y sentaría las bases de una forma de hacer fotografía absolutamente nueva para un país marcado por la dictadura tras la Guerra Civil. Un exposición indispensable en un espacio que encaja perfectamente con la dinámica y estética  propia de Muller: la sala Canal de Isabel II  en Santa Engracia, 125.


    La exposición permanecerá abierta al público desde mañana 28 de Noviembre hasta el 23 de Febrero de 2014 en la sala Canal de Isabel II (Santa Engracia, 125)
    Izquierda: Chema Conesa, comisario de la exposición / Derecha: Ana Muller, Chema Conesa y Carmen González Foto: © R.Xo para stylefeelfree.com
    Documentos del artista así como retratos realizados en su estudio de la calle Serrano en Madrid Foto: © R.Xo para stylefeelfree.com

    Tres hombres. Marsella, Francia 1938 / Foto: © Nicolás Muller Cortesía de Consejería de Empleo, Turismo y Cultura.
    Semana Santa en Cuenca III, 1950 / Foto: © Nicolás Muller Cortesía de Consejería de Empleo, Turismo y Cultura.
    Arcos de la Frontera, Cádiz, 1957 / Foto: © Nicolás Muller Cortesía de Consejería de Empleo, Turismo y Cultura.
    Castro Urdiales, 1968 / Foto: © Nicolás Muller Cortesía de Consejería de Empleo, Turismo y Cultura.

    Wednesday, November 20, 2013

    Celebrities by Mary Ellen Mark

    Clayton Moore, “El Llanero Solitario”, Estados Unidos, 1992.








    Mary Ellen Mark, one of the best contemporary photographers opens at "La Fábrica" gallery its exhibition "Celebrities" which we can see from November 22 until January 3 next year in Madrid. A total of 17 photographs she has been doing since the 1960s thanks to her work in snapshot films. Hence some treasures on photographic paper like the shot exhibited of Luis Buñuel in Toledo, during the filming of “Tristana”.
    Also the artist will give a monograph worksphop on 21, 22 and 23  November in PIC.A, the PhotoEspaña Alcobendas photography school, which is proving to be a great incentive with initiatives so interesting as this.










    Mary Ellen Mark, una de las mejores fotógrafas contemporáneas inaugura en la galería “La Fábrica” su exposición “Celebrities” que se podrá ver desde el 22 de noviembre hasta el 3 de enero del próximo año en Madrid. Un total de 17 fotografías que ha venido realizando desde los años 60 gracias a su trabajo de foto fija en rodajes de películas. De ahí algunas joyas en papel fotográfico como la toma que se expone de Luis Buñuel en Toledo, durante el rodaje de Tristana. Además la artista impartirá un taller monográfico los días 21, 22 y 23 de Noviembre en PIC.A, la escuela de fotografía PHotoEspaña Alcobendas, que está resultando ser un gran dinamizador de la Fotografía con iniciativas tan interesantes como esta.

    Buñuel en el set de rodaje de Tristana en Toledo, 1969 © Mary Ellen Mark / stylefeelfree.com
    Denis Hopper © Mary Ellen Mark / stylefeelfree.com

    Wednesday, October 23, 2013

    "Conjeturas" by Luis Alhama: disquieting experiment

    Luis Alhama_La Casa Rosa_stylefeelfree
    Photo: © Luis Alhama,  courtesy of "Casa Rosa" / stylefeelfree



    "Casa Rosa" in Malaga right now under the bright gaze of Blanca Fernández-Canivell y Giner is making visibility to emerging artists. Such as the case of Luis Alhama from Berlin _ where he live and work_ who have the opportunity to introduce its first individual work in a spanish art gallery. Under the title “Conjeturas” he present here a disconcerting work that arouses curiosity. This is more than ten sculptures produced with a working method associated with surrealism who himself called “Mapa de tramas” (“links map”) because it’s a development from Freudian theories. This is a way to face with everyday objects from the instinctive. The result you can see in this video by Arcadio Sánchez Alcaraz which stand for causing a uneasy feeling in one who sees it.

    "Conjeturas" exhibition by Luis Alhama is displayed in "Casa Rosa" gallery until 9th November.




    La "Casa Rosa" en Málaga ahora bajo la acertada mirada de Blanca Fernández-Canivell y Giner está dando visibilidad a obras de artistas emergentes. Tal es el caso del cordobés Luis Alhama desde Berlin _donde vive y trabaja_ que tiene la oportunidad de presentar su primera propuesta individual en una galería de arte española. Bajo el título “Conjeturas” presenta aquí una obra inquietante que despierta curiosidad. Se trata de más de una decena de esculturas elaboradas con un método de trabajo asociado con el surrealismo al que el autor ha denominado "Mapa de tramas" porque está desarrollado a partir de teorías freudianas. Es esta una forma de enfrentarse a objetos cotidianos desde lo instintivo. El resultado lo podéis ver en este vídeo realizado por Arcadio Sánchez Alcaraz el cual destaca por provocar una sensación incómoda en quién lo ve.

    La exposición "Conjeturas" de Luis Alhama puede verse en la galería "La Casa Rosa" hasta el 9 de Noviembre


    Video art by © Arcadio Sánchez Alcaraz

    Tuesday, October 8, 2013

    The last Miró

    "Personaje, pajaros"  © Miró (1974) / stylefeelfree.com
    Work: "Personaje, pajaros"  © Miró (1974)




    Some works of Miró, in particular thirty works of his last period between 1963 and 1983, can now be seen in the Valentine gallery of the Burgos cathedral (Burgos, Spain) until January. An exhibition under titled "last Miró (1963-1983): The experience of watching" provides the opportunity to see a Miró not as well known but fascinating with “new American avant-gardes influences and intimate subtle connections and dialogues that there always existed between his painting and sculpture” explains Antonio Miguel Mendez Pozo, president of the Silos Foundation that organized the exhibition together with Reina Sofia museum.

    During 2014 an extended version of the exhibition will travel to different places in United States: Seattle Art Museum (February 13-May 25, 2014), Nasher Museum of Art at Duke University (September 11 - February 22, 2015) and Denver Art Museum (March 22 to June 28, 2015).







    Algunas obras de Miró, concretamente treinta obras de su último período entre 1963 y 1983, pueden verse ahora en la sala Valentín de la catedral de Burgos (Burgos-España) hasta el 8 de Enero. Una exposición que bajo el título “Miró último (1963-1983): La experiencia de mirar” nos ofrece la posibilidad de contemplar un Miró no tan conocido y fascinante con “influencias de las nuevas vanguardias americanas y las íntimas y sutiles conexiones y diálogos que siempre existieron entre su pintura y escultura” aclara Antonio Miguel Méndez Pozo, presidente de la Fundación Silos que organiza la exposición junto con el Museo Reina Sofía.

    Durante 2014 una versión ampliada de esta exposición viajará por diferentes lugares de Estados Unidos: Seattle Art Museum, (13 febrero – 25 mayo 2014); Nasher Museum of Art at Duke University (11 de septiembre – 22 febrero de 2015) y Denver Art Museum (22 marzo- 28 junio 2015).

    "Mujeres VI" © Miró (1969) / stylefeelfree.com
    Work: "Mujeres VI" © Miró (1969)
    "Paisaje" Miró (1976) / stylefeelfree.com
    Work: "Paisaje" © Miró (1976)
    Miró sculptures_stylefeelfree.com
    left: "Cabeza en la noche" © Miró (1968)/ right: "Mujer y pajaro" © Miró (1968)

    Thursday, October 3, 2013

    Chris Killip: retrospective exhibition in "Reina Sofia" museum

    The work of english Chris Killip that you can see now in Reina sofía museum (Madrid) until 24 February 2014, under the title “trabajo / work” is a crucial testimony to understand the post-war period in England in the final decades of the 20th century. An approach that captures the simplicity and daily-life activities of english lower classes, they suffered in the flesh the ravages of deindustrialization. For Chris, proudly of his social background – he says he was born and grow up in a pub in Man island - the pictures has a reason for living. And he relate, punctuating the press presentation of numerous anecdotes, the sense of be in a particular place photographing a particular time in the people life. Therefore, he like return to the places which he has photographed to take new snapshots, because, his work precisely it’s all about that. Take some pictures about “things happening in life”. And he pick up fragments of the work of T.S. Eliot about culture to assert an ideological opinion, a way of understanding the photography in the cultural environment, considering that “culture is more than we see in museums but everything provide us of values”. 

    This is the sense of his work, stay in time telling stories of everyday life, because it is there where it is created the culture of peoples. In fact, life changes, but pictures stay. This is a indispensable exhibition to understand a piece of recent English history with all emotional and social burden but without drama. 


    The exhibition "trabajo / work" by Chris Killip is displayed in Reina Sofia museum until 24 February next year



    La obra del inglés Chris Killip que ahora puede verse en el museo Reina Sofía (Madrid) hasta el 24 de Febrero de 2014 bajo el título “trabajo /work” es un testimonio crucial para entender la posguerra en Inglaterra en las últimas décadas del siglo XX. Un enfoque que capta la sencillez y la cotidianidad de la clase trabajadora inglesa que precisamente fue la que sufrió en carne propia los estragos de la desindustrialización. Para Chris, orgulloso de su procedencia – señala que nació y creció en un pub en la isla de Man – la fotografía tiene una razón de ser. Y relata, salpicando la presentación a la prensa de numerosas anécdotas, el sentido de estar en un lugar determinado fotografiando un momento determinado en la vida de las personas. Por eso le gusta volver a los lugares que ha fotografiado a tomar nuevas instantáneas, porque precisamente su trabajo trata de eso, de fotografiar “las cosas ocurriendo en la vida”. Y recoge fragmentos de la obra de T.S. Eliot sobre la cultura para afirmar una postura ideológica, una forma de entender la fotografía en el entorno cultural, teniendo en cuenta que “cultura no es sólo lo que se ve en los museos sino todo lo que nos lleva a tener valores”. 

    Ese es el sentido de su obra, permanecer en el tiempo contando historias de lo cotidiano, porque es ahí donde se crea la cultura de los pueblos. De hecho, la vida cambia, pero las fotografías permanecen. Es esta una exposición indispensable para entender un pedazo de la historia reciente inglesa con toda la carga emocional y social pero sin dramatismo.


    La exposición "trabajo / work" puede verse en el museo Reina Sofía hasta el 24 de Febrero del próximo año.

    "Youth on wall" ("Joven en un muro"), Jarrow, Tyneside, 1976 by © Chris Killip / Picture courtesy of Reina Sofía museum / stylefeelfree
    Chris Killip_Reina Sofia museum_stylefeelfree
    Picture courtesy of Reina Sofía museum / stylefeelfree
    Chris Killip_Reina Sofia museum_stylefeelfree
    Picture courtesy of Reina Sofía museum / stylefeelfree
    Chris Killip_Reina Sofia museum_stylefeelfree
    Picture courtesy of Reina Sofía museum / stylefeelfree
    Chris Killip_Reina Sofia museum_stylefeelfree
    Picture courtesy of Reina Sofía museum / stylefeelfree
    Chris Killip_Reina Sofia museum_stylefeelfree
    Picture courtesy of Reina Sofía museum / stylefeelfree

    Wednesday, October 2, 2013

    Philip Lorca diCorcia: Alcobendas International Photography Award

    "Marilyn" 28 Years Old, Las Vegas, Nevada / "Hustlers" series /  Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Marilyn" 28 Years Old, Las Vegas, Nevada / "Hustlers" series /  Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree

    Philip Lorca diCorcia received the Alcobendas International Photography Award in its third edition and on this occasion, gave a lecture in the auditorium of the Alcobendas Centre of Art (CAA) that yesterday, was filled. 

    Undisputed. Philip Lorca diCorcia is an icon of contemporary photography. The jury that gived the International Alcobendas award of Photography had it clear. Yesterday, all were anxious to hear by themselves this American which reflects with a highly developed technique narratives that concerning with a personal perspective socially oriented. 

    His work, if possible, recovered more strongly after a serene and detailed explanations about some selected pictures on his total work. "Everyone has their own story," he say. But also, reflect these particular stories as a common theme in diCorcia is a postulate of good work. 


    Is expected a exhibition in Alcobendas Art Centre on 30 April that will provide a large work of the artist.

    Philip Lorca diCorcia recibía el premio Internacional de Fotografía Alcobendas en su tercera edición y con tal motivo, ofrecía una conferencia magistral en el salón de actos del Centro de Arte de Alcobendas (CAA) que ayer estaba repleto. 

    Indiscutible. Philip Lorca diCorcia es un icono de la fotografía contemporánea. El jurado que otorgó el premio Internacional de fotografía Alcobendas en su tercera edición lo tuvo claro. Ayer, todos estaban ansiosos por escuchar en primera persona a este estadounidense que refleja con una técnica muy depurada narrativas que tienen que ver con una mirada personal hacia lo social. 

    Su trabajo, si cabe, recobró más fuerza tras sus explicaciones serenas y detalladas sobre algunas fotografías seleccionadas del total de su obra. “Todas las personas tienen su propia historia” argumentó. Pero además, reflejar esas historias particulares como hilo conductor de una historia conjunta en diCorcia es un postulado de buen hacer. 


    El 30 de Abril está prevista una exposición en el Centro de Arte de Alcobendas que recogerá gran parte de la obra del artista.

    Philip Lorca diCorcia_Alcobendas photography_stylefeelfree
    left: Philip Lorca diCorcia during the conference in CAA/ right: the Centre of Art in Alcobendas / Photo: © R.Xo for stylefeelfree.com

    "Mario" 1978 / "Family and friends" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Mario" 1978 / "Family and friends" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Schirn Presse", Head: 10 / "Head" series / 2001 / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Schirn Presse", Head: 10 / "Head" series / 2001 / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Brent Booth" 21 years old, Des Moines, Iowa / "Hustlers" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Brent Booth" 21 years old, Des Moines, Iowa / "Hustlers" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    Los Angeles, 1993 / "streetwork" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    Los Angeles, 1993 / "streetwork" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    "Cuba libre" / Photo: © Philip Lorca diCorcia for W magazine, march 2000 / stylefeelfree
    "Cuba libre" / Photo: © Philip Lorca diCorcia for W magazine, march 2000 / stylefeelfree
    Juliet Ms. Muse, 2004, "Lucky 13" series  / Photo: © Philip Lorca diCorcia for W magazine, march 2000 / stylefeelfree
    Juliet Ms. Muse, 2004, "Lucky 13" series  / Photo: © Philip Lorca diCorcia / stylefeelfree
    Sylmar, California, 2008 / "East of Eden" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia for W magazine, March 2000 / stylefeelfree
    Sylmar, California, 2008 / "East of Eden" series / Photo: © Philip Lorca diCorcia for W magazine, March 2000 / stylefeelfree

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    Thursday, July 4, 2013

    Sibylle Schwarz: "women are most reacting with their open heart"

    Sibylle Schwarz (1960, Stuttgart). What most surprised me of her work, when I discovered it were her passion and poetic strokes, her attitude through her work, to feeling in its pure state, making us sharers of her way of being and feel in her position as women. Versatile and unwearying, has been living and inspired of other cultures, what it has done her work has made different influences. This has allowed to have a more eclectic and personal perspective.

    As far as I can see, your work is very prolific, how do you developed your work and what time do you spend?

    I developed my work since 40 years, my teachers came from different countries. Traveling opened my mind, taught by masters like Ghandi, Laotse, Mandela, Tagore, Rumi and others. The technic I learned on several schools, but anything else by doing, listening and loving.

    With regard to technique, do you like to experiment? What is the technique that you prefer to work?

    I am unlimited with technic, using ink, canvas, acryl, pastels, woodcarving, natural materials  like water from spiritual places, essences, oil of roses, hibiscus, safran, green tea, minerals, curry and much more. I work until my eyes are to tired, every day.

    The quick strokes, I would even say nervous, the use of color and the expression of intensity emotional states. Is it due to an influence of German Expressionism?

    I am not aware of German Expressionism, but I heard this several times. Most people compare my work with Schiele, Boeys, Goya, Matisse and Picasso. But I guess no artist could grow without these teachers. The fast strokes and lines are a part of energy, personality.

    In fact, your way of expression entail a graphical technique and pure, passionate and decisive. Does this represent a way of being?

    Yes, passion is a important attitude, the depth of feeling and caring. Feel strong connected with people who did not have a easy start into life. My life is pure and simple. I try to support others, if I have the chance.

    Your position as women is essential in your work? I wonder it has something do with the emotionally charged that is reflected in your work?

    I think the sensuality is a important thing in my work. Its not about sex, but more about feminine, soften, open, transparent, honest, without attitude. I show beauty and less beautiful things, aging in grace.  I have nothing emotional to hide and love the support of all the women in the world. There is a space in art, where we could feel very close, becoming sisters.

    In a large portion of your work there are a sexiness that are perceived as feminine in the sense that it is very visceral, with an profound emotionally charged . However, in the history of art the sexiness has been touched from a male perspective. What are your views when you deal with works of this kind? Do you think that is different how to bring this because you are woman?

    I think what I experienced so far, men are living often in a misunderstanding of sensuality and erotic, erotic, sometimes pornography, that’s why they behave more strict, moralistic and dogmatic. Not all, but, many quiet. I realize these fears are based on their fragility, they are afraid to feel and come emotionally close to themselves. I receive more private letters with beautiful gifts of tenderness and caring words, always full of respect of men. Then in public,  women are most reacting with their open heart, more courage for showing themselves and more transparency with feelings, fears and desire. 

    Being an artist and woman, implies that is it easier to be visible if certain subjects are worked? For example about to condition of being woman by culture or the female sexiness. Or are there also space to address other approaches and make them visibles?

    Being a artist means, you have a language, where you are able to talk without boundaries, especially in Europe. The music, for example is the strongest spiritual universal language. All messages are transported in a way we could listen with our heart.

    And in general, is different the male and female in art discourse?

    In general man and woman are not so different in their nature, only what the society did to them. There are many soft man, hard woman. I do not make a difference, I am loving the person not the sex and most of the people feel this with me.

    Is it difficult being a woman artist or in recent decades have been real the opportunities for women in the art world?

    Even in the artworld I do not care if I have it more difficult as a man. I do have it on so many levels much more easy, as a woman. I feel the solidarity with women. Men are often far away from these possibility and freedom.

    But not only perceive your position as women, your work also seems to have inspiration in other cultures, such Asian or african influence. What influences have received in the progression of your professional career and how do you have developed in your work?

    Yes asian and african influences are strong. I was living in Africa ( Benin), Japan, China, Indonesia, travelled through Pakistan, India, Russia and many more countries. I love other cultures, all my knowledge I received from there.

    Finally, tell us you're doing today and if you have any future projects.

    I’m working on a project for the Pfeiffer Institute, in NC. Prof Weihong Yan and Dr. Zhao leading a concept East meets West, where east and west know ledge and wisdom find in a special way together, a cultural art project, which start to travel through several museums. Beside, now I'm cooking a nice dinner for my son. 

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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    work: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree
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    text: © Sibylle Schwarz / stylefeelfree

    Monday, July 1, 2013

    Shirin Neshat: the body as identity

    Shirin Neshat reveals the significance on the women’s Muslim body in Telefonica Foundation which was held as part of the PhotoEspaña event, whose theme this year is the human body. Here the body has a poetic symbolism who wears with calligraphy and the veil. The veil as representing the invisibility of women in public spaces, an element that hides her sexuality and prevents being an object of desire. On the other hand, the calligraphy represents the multiple interpretations and contradictions of culture. Thus, the beautiful images of Shirin Neshat in “Raptures” series we show the female body as a space in which representations of difference are shown through a assumed identity without stop being a own identity and overwhelmingly melancholy.

    The exhibition "Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo "can be seen in Fundación Telefónica. Fuencarral, 3 (MADRID) until September 1.
    Shirin Neshat nos descubre la significación del cuerpo de la mujer musulmana en Fundación Teléfonica con motivo del certamen PHotoEspaña que este año gira en torno de la temática del cuerpo humano. Aquí el cuerpo tiene una simbología poética que se viste con la caligrafía y el velo. El velo como representación de la invisibilidad de la mujer en el espacio público, un elemento que esconde su sexualidad y evita que sea objeto de deseo. Por su parte, la caligrafía representa las múltiples interpretaciones y contradicciones de la cultura. Así, las bellas imágenes de Shirin Neshat en la serie Éxtasis nos muestran el cuerpo femenino como un lugar donde se inscriben las representaciones de la diferencia a través de una identidad asumida que no deja por ello de ser una identidad propia y abrumadoramente melancólica.

    La exposición “Shirin Neshat. Escrito sobre el cuerpo” puede verse en Fundación Telefónica. Fuencarral, 3 (MADRID) hasta el 1 de Septiembre.
    Shirin Neshat_stylefeelfree
    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com
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    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com
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    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com
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    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com
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    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com
    Shirin Neshat_stylefeelfree
    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com
    Work by Shirin Neshat. Photo:© R.Xo for stylefeelfree.com

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