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Tuesday, November 26, 2013

"Mis días felices": la edad es vital

Valoración: 7 / 10

No importa la edad. El ser humano siempre busca una motivación, una ilusión, una esperanza que haga la vida más gratificante. Y el cine francés lleva mucho tiempo enseñándonos a vivir o al menos, mostrándonos historias de personajes que tratan de romper prejuicios, menos estereotipados que los personajes de puro celuloide. “Mis días felices” sólo trata de ofrecernos un pedazo de vida y para ello recurre a la novela “une jeune fille aux cheveaux blancs” para mostrarnos que por mucho que el cine y la publicidad se empeñe en hacer visible sólo a un sector de la sociedad, lo cierto es que independientemente de eslóganes, la realidad es que el ser humano sigue sintiendo y experimentando mientras sigue respirando. Todo sea dicho, también es evidente que la industria del consumo está empezando a advertir que las mujeres de más de cincuenta son un importante filón que se había dejado arrinconado hasta ahora y que por fin comienza a manifestarse.

Y aquí es dónde esta película dirigida por Marion Vernoux deja de ser demasiado arriesgada y empatiza con el público sin mayor problema. La historia recae en una mujer sexagenaria en un momento difícil de su vida, no tanto por la edad, sino por la sensación de “tener que empezar”. Con sesenta años su vida laboral llega a su fin y siente que tiene que volver a trazar un esquema de vida con demasiadas horas de ocio. En este punto conoce al treintañero Julien en un club para mayores y su vida vuelve a vibrar. Pero Caroline, el personaje central interpretado con solemnidad por Fanny Ardant no es una mujer que a cierta edad va en busca de una historia que la haga sentir nuevamente viva. Julien (Lauren Lafitte), su amante, tampoco es un joven que busca desesperadamente la ternura de una mujer madura que haga de madre. Él, mujeriego y ella, felizmente casada y abuela, deciden vivir esta historia sin pensar en las consecuencias y en nadie más. En definitiva, una historia entretenida, bien contada e interpretada, emotiva, sin excesos dramáticos y con un argumento con algún golpe ingenioso pero sin escapar a lo incomprensible.

"Mis días felices" se estrena el próximo viernes 29 de Noviembre en los cines españoles

"Mis días felices". Fotografía cortesía de © Vértigo - stylefeelfree.com

Thursday, October 31, 2013

"Sólo Dios perdona": fotografía de una obsesión

"Sólo Dios perdona". Fotografía cortesía de © Vértigo - stylefeelfree.com

Valoración: 9 / 10

Como un golpe seco de genialidad artística, con la incomprensión que muchas veces genera traspasar el límite de lo políticamente correcto y aceptado por las reglas del momento, llega a las pantallas “Sólo Dios perdona” del danés Nicolas Winding Refn, tras la aclamada "Drive". Un acierto comercial con una trama redonda que enganchó a público y crítica y que le permitió rodar esta cinta más personal y obsesiva. Ante todo debo advertir que “Sólo dios perdona” no es apta para todos los públicos. No sólo por el alto grado de violencia sino por su ritmo parsimonioso y su casi inexistente guión. Aún así, se trata de una historia sencilla. Dos hermanos estadounidenses regentan un club de boxeo en Bangkok que sólo es una tapadera para un negocio de droga que acabará desencadenando una oleada de violencia y venganza a raíz de un dramático incidente.

Aparentemente, una película más de acción, violencia gratuita y adrenalina. Pero nada más alejado de la realidad. “Sólo Dios perdona” es un film que precisa de muchas lecturas y que además está grabado con una pulcritud y minuciosidad magistral elevando la fotografía, los decorados y el sonido a su expresión más preciosista y sublime. Cada escena es un lienzo encuadrado y matizado por el rojo que enfatiza cada fotograma no de forma gratuita sino como símbolo de todos los elementos que se tocan en la película y que son muchos: la venganza, la obsesión, la rabia, la relación madre e hijo más enfermiza y dolorosa que podamos imaginar y por supuesto, oriente y su submundo nocturno bajo el prisma del rojo siempre presente en su tradición.

Es esta una película de respuestas y de preguntas por lo que todo queda en entredicho, en suspense. Los diálogos sólo son necesarios para decir lo necesario y para herir. La herida es el rojo y el silencio. Aquí los personajes no son tan importantes sino el mensaje que llevan. Dios y el demonio tienen una representación real y tangible pero también metafórica. Y el mal personificado en una mujer-madre en el papel más elogiable que haya hecho Kristin Scott Thomas. Sólo el paso del tiempo y las nuevas generaciones que están creciendo con un lenguaje audivisual más hiperbólico, podrán, tal vez, valorar con otro criterio esta película que bajo mi punto de vista, es el retrato perfecto de una obsesión del cineasta planteada como sólo pueden plantearse las obsesiones: con exceso, énfasis y rompiendo todas las estructuras (también en la sala de montaje). Y plasmada con los mejores recursos que Nicolas Winding Refn podía tener a su alcance.

"Sólo Dios perdona" se estrena hoy 31 de Octubre en los cines españoles

Sólo Dios perdona_Nicolas Winding Refn_stylefeelfree

"Sólo Dios perdona". Fotografía cortesía de © Vértigo - stylefeelfree.com

Wednesday, October 16, 2013

"La vida de Adèle": identidad e inocencia sexual

Valoración: 7.5 / 10

El revuelo que está causando “La vida de Adèle”, entre otras cosas, por su alto contenido sexual que ha provocado la prohibición de la exhibición de la película en el estado norteamericano de Idaho, no es un señuelo. La cinta dirigida por el tunecino Abdellatif Kechiche tiene una carga sexual considerable. Y no sólo eso, la controversia en unos casos y el morbo en otros, que aún sigue suscitando el amor gay, es otra razón para que la importancia del contenido erótico se multiplique por dos. Si sumamos a esto la excelente acogida por parte de la crítica que la encumbró en el pasado festival de Cannes con la palma de oro, podemos vaticinar que la película será un éxito de taquilla. El guión basado en la adaptación libre de la novela gráfica “El azul es un color cálido” de Julie Maroh, recoge el amor entre dos mujeres jóvenes pertenecientes a diferentes clases sociales. Adèle, representado por Adèle Exarchopoulos experimentando el mundo que la rodea y devorándolo. Emma, personaje interpretado por Léa Seydoux _la chica de moda del cine indie_ resulta irreconocible y tan convincente, que traspasa la pantalla. Magníficas ambas en sus respectivos papeles.

Aquí la homosexualidad no es un factor importante sino la relación de pareja con todos los inconvenientes que surgen cuando la pasión va dejando paso a la diferencia cultural y sobre todo, aspiracional. En este sentido, la película convence, no es un postulado simplista hacia la libertad sexual aunque obviamente intrínsecamente sí tiene una carga ideológica y puede tener sentido a este respecto en sociedades que aún no han dado el paso hacia la libertad personal de elegir libremente una orientación sexual. Pero, ¿está justificado tanto derroche y maqueado sexual cuando los personajes son convincentes en cada gesto? Bajo mi punto de vista, la carga sexual no debe cuestionarse si es desmesurada o no. Tiene sentido en el guión porque forma parte de la idiosincrasia de los personajes. Lo que me parece cuestionable es la pulcritud del argumento, donde nada se deja al azar. Y las escenas sexuales forman parte de ese guión poco escurridizo por donde el espectador no puede colarse a través de pistas y metáforas cinematográficas que hacen más emocionante y mágico el visionado. Esto es lo que por otra parte hace más ligera la película _son casi tres horas de duración_ pero tampoco lo justifica.

Hay que señalar también que los puntos suspensivos que se abren al final dejándonos entrever que tendremos una segunda parte te dejan con una sensación agridulce, por lo mismo que he explicado. ¿Otras tres horas con Adele? Sólo espero que el cine no siga por esa tendencia de construir personajes a modo de reality. Aún así, incluso aunque todo sea un montaje para crear más expectación, la película tiene sentido en la época actual. Obvio es que en la actualidad existe una sexualización cultural importante en las sociedades desarrolladas y este film ha captado una realidad relevante en nuestros días. Por ello, la polémica que suscita es fructífera y constructora de discursos que siempre son necesarios para remover conciencias. Pero una segunda parte, por tirón comercial que tenga, me parece excesivo.

"The Bling Ring" se estrena el 25 de Octubre en los cines españoles

"La vida de Adèle" © Vértigo - stylefeelfree.com

Thursday, October 3, 2013

"The Bling Ring": el precio de la fama

Valoración: 7 / 10

La nueva película de Sofía Coppola, “The Bling Ring”, pone el dedo en la llaga. La llaga no es otra que la “cultura basura” generada por los EEUU y más efervescente aún en Los Ángeles a raíz de la proliferación de la telerealidad y la cultura entorno a la alfombra roja.

Está basada en hechos reales que llamaron la atención de la cineasta desde la lectura de un artículo titulado “los sospechosos vestían Louboutins” en la revista Vanity Fair por Nancy Jo Sales que ponía de actualidad a una pandilla de adolescentes que se dedicaba a robar en casas de famosos como Paris Hilton (cuya casa real aparece en el film) o Lindsay Lohan. Lo triste del caso es que lo hacían sólo por diversión y para llevar un estilo de vida superficial y peligroso del que no eran conscientes. Al contrario, eran comportamientos que les hacía ganar reputación y popularidad.

Sólo el hecho de pensar que una revista como Vanity Fair diera cabida a un tema tal da que pensar sobre cual es el papel de los medios de comunicación de moda, cultura y sociedad en nuestros tiempos y hasta qué punto somos responsables de la sociedad que tenemos en la que los más vulnerables siempre serán los más jóvenes. Al margen de aspectos deontológicos, lo cierto es que nuestra sociedad ha cambiado de forma vertiginosa con la suma de las redes sociales a los realities televisivos. Y Sofía Coppola, que suele involucrarse en la cultura popular, ha querido filmarlo. Y lo ha conseguido a su estilo, mostrándose al margen para no establecer juicios de valor a través de un ritmo rápido que se agradece y con unas interpretaciones muy logradas. Es su interpretación ficticia de los hechos, hay que tenerlo en cuenta. Evidentemente esto afecta sobre todo a las caracterizaciones de los personajes que bajo mi punto de vista, están un poco estereotipadas quizás por razones comerciales. Aún así, la película no pierde interés y puede abrir un interesante debate.

"The Bling Ring" se estrena el 11 de Octubre en los cines españoles

The Bling Ring cine_Sofia Coppola _ stylefeelfree.com

"The Bling Ring" © Vértigo - stylefeelfree.com

Wednesday, September 4, 2013

"El espíritu del 45": ideales compartidos

El espíritu del 45_Ken Loach_stylefeelfree

"El espíritu del 45"© Vértigo - stylefeelfree.com

Valoración: 8 / 10

Ken Loach, conocido por su particular estilo realista, carente de artificio y centrado en problemáticas sociales, no podía quedarse al margen de la realidad económica y social de nuestros días. Su respuesta contudente es el film documental “El espíritu del 45” con el que ha desatado su perfil más político al que por otra parte nos tiene acostumbrados en su numerosa filmografía. No ajeno a los cambios que contribuyeron a consolidar el estado del bienestar en Inglaterra, Loach, que vivió en carne propia los cambios propiciados por el partido laborista, hace una reflexión sobre la historia de Inglaterra durante el siglo XX centrando su interés en el período que gobernó Attle después de la IIGM. Una etapa marcada por las políticas impulsoras de la propiedad común y la nacionalización que llevaron a la creación de la asistencia sanitaria universal y gratuita entre otras medidas. Políticas que respondían al idealismo y el afán por construir un mundo mejor después de dos guerras muy cercanas en el tiempo.

El documental basado en imágenes de archivo y diversas entrevistas trata de llegar hasta el fondo en problemáticas que vuelven a estar activas hoy, haciéndonos ver también que el poder siempre tiene algún vicio y que es imposible complacer a todos. Aún así, rescata un precedente en el tiempo para que volvamos la vista al pasado y pensemos en lo que podemos hacer hoy. Una forma de contribuir desde una perspectiva particular a la problemática actual y aportar un poco de luz.

"El espíritu del 45" se estrena el viernes 13 de Septiembre en los cines españoles

"El espíritu del 45" © Vértigo - stylefeelfree.com

Friday, June 21, 2013

"Después de mayo": ideales de juventud en los 70s

"Después de mayo" © Vértigo - stylefeelfree.com

Valoración: 6.5 / 10

Con un guión que reconocemos como actual por la actualidad política, económica e incluso estética, Olivier Assayas, nos trae una película que resulta atractiva. La única diferencia argumental con respecto a la actualidad real de nuestros días es que “Después de mayo” está basada en la experiencia vital de jóvenes burgueses parisinos llenos de adrenalina, ideales y en búsqueda permanente de algo puro que canalizan a través del involucramiento político que continúa sacudiendo la capital francesa después de mayo del 68. Hoy en día son las clases más desfavorecidas las que reivindican un cambio social. De ahí probablemente que el argumento llega a resultar un poco tedioso ya que los propios personajes de la película acaban por contagiar al espectador esa desidia que sienten por sentirse demasiado protegidos y asqueados de un bienestar que les oprime y les hace perseguir un ideal que ni siquiera les pertenece.

Si bien es una suerte que Assayas no haya convertido la película en bandera de nada y que resulte creíble precisamente porque trata de unos acontecimientos de sobra conocidos. Sin embargo, la cinta, aunque es muy correcta desde todos los ángulos, tampoco tiene nada singular que capte la atención. La elección de los actores es adecuada pero tampoco ninguno destaca porque el guión no lo permite ya que la intención última es contar a modo de pinceladas como vivían y sobre todo, sentían, una parte de la sociedad francesa a principios de los setenta.

"Después de Mayo" se estrena hoy en los cines españoles

"Después de mayo" © Vértigo - stylefeelfree.com

Friday, June 7, 2013

"Populaire": 50's y cha cha cha

Valoración: 6.5 / 10

Los años cincuenta siguen teniendo tirón. “Populaire” lo aprovecha con la construcción del personaje de Rose, una joven provinciana francesa, a finales de los años cincuenta, que deja su pueblo donde la espera un destino inevitable de ama de casa con un marido elegido por su padre. Su única opción, como la de otras mujeres que buscaban “llevar una vida moderna”, era conseguir un trabajo como secretaria. Pero su nuevo jefe le pone una condición para contratarla, que participe en competiciones de mecanografía. A partir de aquí se construye una historia donde inevitablemente surge el amor, la complicidad, los retos y la competitividad.

Con todos estos ingredientes convertidos en celuloide a priori “Populaire” se presenta como una película entretenida y visualmente atractiva. Y lo es. Pero con una objeción, su excesivo chovinismo aceptado por otra parte por tratarse de una comedia ligera sin mucho trasfondo pero con una estética cuidada inspirada en los spots de los años cincuenta que además cuenta con una banda sonora acertada con grandes descubrimientos como el tema "The Secretary's Cha-cha cha" .

Aún así hay algo indiscutible que resulta ser la mejor baza. Las competiciones de máquinas de escribir entre mujeres. Este es sin duda el filón de la película y las escenas más divertidas, aunque se recurre a clichés, son sin duda las que muestran el ambiento tenso y la competición entre aspirantes a ser la más veloz mecanografiando en una época en la que la mujer comenzaba a ambicionar un estatus de poder logrado por sí misma.

A pesar de que este es el primer largo de Régis Roinsard, ha sabido reunirse de un buen equipo en donde cabe destacar la presencia de la joven Déborah François en el papel de la cándida y perspicaz Rose, una nueva Amélie pero con tintes clásicos que recuerdan a Audrey Hepburn o la Marilyn Monroe más ingenua pero a la francesa.

"Populaire" se estrena hoy en los cines españoles

"Populaire" © Vértigo - stylefeelfree.com

Friday, May 31, 2013

"360. Juego de destinos": Conexiones y desconexiones en la esfera social

Valoración: 7 / 10

La nueva película del director brasileño Fernando Meirelles, mundialmente reconocido por su salvaje y revitalizadora “Ciudad de Dios” y posteriormente, “El jardinero fiel”, llega a España para mostrarnos una cinta con menos adrenalina que sus predecesoras pero con suficiente acción, amena y con un discurso actual. “360. Juego de destinos” es una historia de historias, de personajes en conflicto que interactúan y toman decisiones en torno a su vida sentimental en una sociedad global y ferozmente urbana. Incluso si estas decisiones implican no tomar ninguna decisión y dejar que otros las tomen por ellos. Es un intento de hacernos sentir partícipes de la conexión existente entre los individuos a nivel mundial en un mundo cada vez más interconectado. Un extraño mundo del que somos cómplices con nuestros deseos de experimentar y relacionarnos con otros para salir de nuestras crisis individuales. Aunque el guión escrito por el inglés Peter Morgan no pasa de resultón y no es tan original como cabría de esperar tratándose de un proyecto con un discurso tan ambicioso y complejo, la sensación es satisfactoria porque Meirelles sabe perfectamente como tratar la historia para no aburrir.

Lo cierto es que es un enfoque complicado si bien otros guionistas ya abordaron exitosamente este tipo de multihistoria. Por ello, merece un guión con muchas idas y venidas para que todo cuadre y forme el círculo de 360º al que se alude en el título. Para empezar la primera historia que protagoniza Jude Law, aunque está bien contada, no resulta un catalizador tan importante y primordial para el resto de historias. No hay suficiente nexo de unión entre las historias y en algunas ocasiones, aún habiéndolo, no se aprovecha lo suficiente. El guionista se salva aquí porque a pesar de ello, consigue aparentar que todo está conectado. Y es que a pesar de esta carencia, es un producto comercial con tintes de autor - Meirelles ha dejado su sello en todas las secuencias consiguiendo nuevamente una trama muy humana con imágenes cuidadas y recurriendo a iconos sugerentes aunque un poco trillados - con los recursos necesarios para captar la atención del espectador y no aburrirle o despistarle a pesar del complejo entramado de personajes que se cruzan. Su gran elenco de personajes entre los que se encuentran populares como Anthony Hopkins, Rachel Weisz (que repite con Meirelles) y el propio Jude Law, en papeles en los que se desenvuelven magistralmente y otros menos conocidos entre los que destacaría la difícil y muy lograda interpretación del delicuente sexual interpretado por Ben Foster, consiguen dotar a la película de un realismo que cautiva y que no dejará indiferente al espectador.

"360. Juego de destinos" se estrena hoy en los cines españoles

Friday, May 17, 2013

The lords of Salem: el retorno de las brujas

Valoración: 5 / 10

En principio tenía curiosidad por ver esta película por el imparable entusiasmo en el mundo de la estética y la creación por lo "dark" y sus derivados. También porque Rob Zombie, su director y vocalista del grupo de metal White Zombie, ya había convencido a fieles del género de terror y serie B con sus primeras incursiones en el cine.

Pero lo cierto es que a pesar de que el comienzo de “The lords of Salem” despierta interés, el guión y sobre todo, el montaje, que parece el resultado de intentar calzar un zapato del 36 en un pie del 40, resulta un despilfarro de buenas ideas, como las propias de un genuino Rob Zombie en anteriores metrajes.

Porque si hay algo evidente, dejando atrás los “fanatismos” _ muy al contrario, me parece elogiable tratar de cambiar de registro_ es que si se quiere hacer una película que no pretende ser de culto, al menos, hay que intentar llegar hasta el final hilando la historia, sin buscar atajos. Y es una lástima, porque la caracterización de las antiguas brujas de Salem es soberbia, con imágenes realmente fascinantes. Pero sólo se queda en eso y Rob Zombie no aprovecha esta iconografía para hacer, por qué no, un producto comercial con personajes más profundos _ de hecho, la interpretación no es mala_ y con más posibilidades de llegar al espectador.

Eso por no hablar del desarrollo de la historia que resulta un despilfarro de energía que no lleva a ninguna parte, o mejor dicho, a un final tan previsible y decepcionante que acaba convirtiéndose en un producto de consumo de ver y olvidar que ni siquiera cumple el propósito de entretener. Aún así, la película tiene destellos de genialidad que mejor se hubiesen aprovechado para un videoclip musical.

Thursday, May 9, 2013

Diaz no limpiéis esta sangre: los días de la vergüenza en el siglo XXI

Valoración: 7.5 / 10

“Díaz, no limpiéis esta sangre” es una película denuncia basada en los brutales hechos acaecidos en Julio de 2001 (Génova - Italia) en la “escuela Díaz”, a raíz del movimiento antiglobalización _ secundado, en su mayoría, por estudiantes y periodistas de todo el mundo_ como respuesta a la cumbre del G8.

Visceral, dinámica, dramática, creíble y con imágenes muy duras que sobrepasan la pantalla, la película es un recordatorio de lo que, a todas cuentas, se hubiese preferido ocultar. Pero hay tanto material visual y audiovisual que ha capturado la barbarie que no podemos cerrar los ojos a la sangre que no se ha podido limpiar.

A medio camino entre el documental y la ficción, Daniele Vicari, su director, nos muestra una realidad indignante que nos hace sopesar el significado de la palabra democracia. ¿Cómo es posible que en pleno siglo XXI se permita algo así y además pretenda quedar justificado cuando no hay justificación posible? ¿Qué tipo de libertades y derechos tenemos como ciudadanos en democracia? ¿Cuál es la labor del periodista y qué sin sentido tiene una información que se trata de mediatizar y politizar? ¿Hasta dónde llega el poder del poder para “limpiar” en un sistema que nos tiene acorralados? Y un sinfín de interrogantes sin respuesta quedan en el aire tras el visionado de esta cinta que “llega” al público a través de unos actores que parecen sacados directamente de cualquiera de las manifestaciones en las que hemos tenido ocasión de participar pasiva o activamente. Porque en definitiva, todos nos sentimos vulnerables en los tiempos convulsos que estamos viviendo. El premio del público en el festival de Berlín, deja constancia de que es una película para el espectador.

"Diaz, no limpiéis esta sangre" se estrena mañana en los cines españoles